“Becerra” detrás del lente:

d c b ae f g h i j k

Y la semana pasada, tuve la oportunidad de ir a sacar fotos detrás de cámara, en el cortometraje “Becerra” de mi amigo Jerónimo Atehortúa Arteaga, paisa que vive en Buenos Aires. Una muy bonita experiencia, con un equipo en el que todos se veían como de “casting” Les dejo las fotos por si las quieren ojear en esta “holy weed” :D

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04/14/2014 · 22:38

Una señorita no muy formal

Y por estos días de Festival de Cine de Cartagena, aquí va una entrevista que le hice a Lina Rodríguez, directora de cine que el año pasado participó en el festival con su ópera prima  “Señoritas”. A  Lina, la conocí en otro festival, el de Nuevos Directores Latinoamericanos en el Lincoln Center (NY), en donde charlamos muy animadamente tomando vino y galletas ( como “buenas” señoritas), de cine, de Colombia,  de Canadá (país donde reside), del magnífico Cassavetes, de las miradas “rebeldes”, de la protagonista de su película ya mencionada, que poco tiene de “señorita”, y más se asemeja un animal enjaulado. Dejando las presentaciones “formales” atrás, escuchemos a Lina en sus propias palabras:

1. Cuéntanos que estás haciendo en estos momentos mientras contestas esta entrevista 

Estoy mirando y revisando material en Super 8 que he estado filmando en los últimos años durante algunos viajes y buscando los ritmos internos del material para así editarlos, quizás salgan un par de cortometrajes. Esta forma de abordar el quehacer cinematográfico me apasiona pues me permite trabajar de una forma personal y artesanal para así buscar la película en el material, y lograr olvidarme de cierta manera de esas ideas iniciales cuando estaba filmando y, como dice Peter Kubelka, poder pedirle al material que me muestre que puede hacer. Confío mucho en el aura y energía intrínseca del material. También estoy escribiendo el guión para mi segundo largometraje y empezando a hacer investigación para el tercero.

Además de mi trabajo como realizadora, también hago relaciones de prensa para la Cinemateca en Toronto, lo cual es una experiencia increíble pues me permite ver las obras de grandes directores dentro de un contexto histórico y teórico, y verlas además en la pantalla grande. Ahora mismo acabo de terminar la campaña de prensa para la primera parte de nuestra retrospectiva de Godard y ando preparando las campañas de prensa para las retrospectivas de Pier Paolo Pasolini y Matías Piñeiro.

2.Luis Buñuel hablaba mucho de los sueños como herramienta para escribir sus guiones. ¿Cuál ha sido el sueño más “cinematográfico” que has tenido? 

La verdad siento que el ritmo y atmósfera de todos los sueños son bastante cinematográficos en su esencia, así que es difícil escoger. Sueño todo el tiempo, muchísimo, y he tenido sueños bastante extraños, diversos y perversos, aunque también muchísimos cotidianos y rutinarios en los que no pasa nada, quizás solo me cepillo los dientes y ya. He soñado en blanco y negro, con subtítulos, sin sonido, con gente que se murió y extraño, con gente que nunca he visto, sueños que son mezclas de lugares conocidos e imaginados. Hay un sueño recurrente en forma, es decir, el contenido y la trama cambian, pero la forma es igual: estoy en una situación X, es una situación de peligro, trato de escapar y me doy cuenta que estoy soñando, así que trato de despertarme, me despierto y sigo en el sueño y así sucesivamente hasta que finalmente me despierto de “verdad”, o bueno, eso creo yo.

3.Háblanos un poco de tu recorrido en el mundo del cine antes de hacer “Señoritas”

Estudié Producción de Cine acá en Toronto, y durante esos 4 años hice 4 cortos: mi primer corto que fue un corto experimental en Super 8, el segundo un corto experimental en 16mm, y los dos últimos fueron cortos de ficción en 16 y super 16mm. Una vez me gradué, empecé a trabajar mucho en Super 8mm haciendo cortos experimentales (a los cuales eventualmente les hago blow up a 35mm cuando los recursos me lo permiten), la verdad más por sobrevivencia, en el sentido que con mi trabajo de tiempo completo, filmar en Super 8mm me ha dado una libertad hermosísima de poder llevar la cámara durante mis viajes y registrarlos, sin presión y sin afán. Esta fórmula me ha permitido seguir haciendo cine, a mi ritmo, y con mis propias manos…un proceso fundamental pues me ha permitido descubrir lo que me interesa explorar en el cine a mí. Durante esos años después de la universidad también empecé a hacer instalaciones y arte-acción, mas que todo por curiosidad de explorar acciones en tiempo real y de poner mi propio cuerpo en riesgo, o a disposición de otros. Señoritas para mi es una continuación de las inquietudes artísticas y filosóficas que he explorado en esos trabajos, las cuales se han concentrado en la exploración del ser y la actuación del ser (el acto de ser) a través tanto de mi trabajo en cine y vídeo con experimentos formales de luces y sombras, la iluminación para crear textura y atmósfera, y de edición para crear el ritmo y tono, y también a través de mis exploraciones en instalación y arte acción. Me interesa reflexionar acerca del impacto del cuerpo humano en el espacio y tiempo, en la presencia y el poder de una acción, en sus consecuencias, tanto dentro como fuera del encuadre.

4. ¿Cuándo tomas la decisión de hacer Señoritas y cómo fue el proceso para armarla? ¿Cómo investigabas? ¿cómo te encargabas de la producción mientras seguías manteniendo tu trabajo? ¿qué comías?

Básicamente, para Señoritas traté de conseguir financiación más o menos por un año, creo que fue durante el 2010. Siento que ya que la mayor parte de mi trayectoria en ese momento era en cine experimental, instalaciones y algo de arte acción, muchas de las instituciones de financiación quizás no vieron como podía traducir esos intereses a un largo de “ficción”. Una vez me convencí que iba a ser difícil conseguir financiación, mi compañero Brad Deane y yo decidimos lanzarnos a hacer la película con las uñas. Fue así entonces que enlisté a mi familia, y le puse un correo a Alejandro Coronado, quien había estudiado cine conmigo en Toronto, para preguntarle si se animaba a ir a Bogotá a vivir conmigo y con mi familia y filmar Señoritas de forma completamente independiente y con un muy muy bajo presupuesto. Alex dijo que si de una, y de ahí ya empezamos a armar planes, cuadrar fechas y buscar amigos de amigos y conocidos para conseguir cámara, luces, locaciones, el resto del equipo técnico, etc. Básicamente fue un trabajo de hormiga súper intenso pues yo tuve que hacerme cargo de mucha de la producción, lo cual implico trabajar en la Cinemateca hasta las 6pm todos los días y llegar a casa a seguir trabajando hasta las 3-4 de la mañana con Brad, para armar horarios y todo el resto. Mis días en esa época de pre-producción se alternaban entre reuniones en Skype y mandar muchos e-mails a todas las personas que he conocido en mi vida pidiéndoles ayuda con una cosa u otra.

En cuanto a investigación de campo, en el 2009, cuando la idea del proyecto era un poco distinta, estuve en Bogotá entrevistando mujeres jóvenes con distintas experiencias de vida: modelos, madres solteras, universitarias. Ese trabajo fue la base para los primeros borradores del guión. Ya después durante el verano del 2011, antes de rodar, Brad programó una retrospectiva de John Cassavetes en la Cinemateca, así que en cuanto a preparación mía adicional, es justo decir que mi dieta en esa época consistió de re-ver mucho Cassavetes, la verdad vi todo. Siento que la energía, valentía y libertad del cine de Cassavetes me inspiraron muchísimo para lanzarme a hacer Señoritas de forma independiente. También estuve pensando mucho en las pinturas de Egon Schiele, en la composición de sus cuadros, su manejo de color y como utiliza el cuerpo (tanto el rostro como el cuerpo entero).

5.Mientras veía tu película pensaba que Alejandra estaba buscándose a sí misma a pesar de lo perdida que parece estar en la ciudad. Alejandra vive una vida monótona entre la rumba, el sexo, sus amigos y una relación casi autista con su madre en una ciudad en la que parecería no pasa nada. Alguna vez leí que este guión había sido basado en tu experiencia personal de tus años de adolescente en Bogotá ¿puedes hablarnos de eso?

La idea de Señoritas en efecto parte de mi curiosidad por observar y preguntar como están negociando las mujeres jóvenes hoy en día las expectativas que tienen de sí mismas con lo que otros, y la misma ciudad esperan de ellas. El guión se baso en experiencias personales y la investigación de campo inicial que hice. Pero ya que no me interesa hacer cine para ilustrar lo que yo escribí,mi prioridad durante todo el proceso, especialmente la pre-producción y el rodaje fue poder crear un ambiente en el que los actores pudieran expresarse en la forma que quisieran y necesitaran en cada momento. No me interesa la actuación como el resultado de una fantasía (mi fantasía) o como un estado de “suponiendo que”. El actuar, ser, el ocupar un espacio en un determinado tiempo está irremediablemente conectado a la turbulencia de sentimientos y experiencias que suceden en el presente (así estas estén conectadas con el pasado y otras veces con el futuro), así que la propuesta visual y de dirección de actores siempre le apostó a generar las condiciones necesarias para esto, tomando como punto de partida mi curiosidad y mis experiencias creciendo en Bogotá como mujer.

Señoritas Photo by Alejandro Coronado

6. El escoger rodar toda tu película en planos cerrados hace que miremos casi con lupa lo que sucede a la protagonista. Sin embargo, al no haber un contexto el espectador se ve casi forzado a ver a la protagonista pero no necesariamente a relacionarse con ella. Y digamos que esto iría en contra de uno de los llamados “principios clásicos”  del cine que dice que el público debe relacionarse con el personaje para poder conectarse con la película. ¿Esta elección fue una actitud de “rebeldía” o las cosas se dieron naturalmente? 

Hacer un retrato sobre una mujer joven podría haberse hecho utilizando la estética más rápida, obvia e inmediata que nos venden en el cine comercial, la televisión, youtube y videos musicales, la estética de cómo supuestamente viven los jóvenes hoy en día, o si no, quizás con trazos más pronunciados que le dicten a la audiencia clara y directamente “cómo relacionarse” con la protagonista. Qué tipo de opinión formarse de ella, de su vida y de las decisiones que toma o no toma. Ya que mi interés era observar a Alejandra en su cotidianidad y la forma en la que su cuerpo y lenguaje corporal se relacionan con su entorno y expresan su vida interior, fue muy claro para mi desde el principio que necesitaba tiempo. La cámara estuvo ahí no sólo para registrar ese tiempo y el desarrollo de las relaciones durante el rodaje sino también para darnos (y darle a la audiencia) la posibilidad de pasar tiempo con ella. Ya después vinieron las decisiones de edición que tomamos Brad y yo, las cuales basamos en ver el material casi con ojos nuevos para no quedarnos anclados en las ideas y planes que uno sin querer se trae de la experiencia del rodaje, y el diseño de sonido (que lo hizo Roberta Ainstein), las cuales fueron creando un tejido de ritmos y contrastes entre las relaciones de sonido e imagen que profundizaron las distintas atmósferas de la película.

El diseño de iluminación y los encuadres más intimistas a los que te refieres, fueron por supuesto una colaboración con Alex (cinematógrafo) y la idea era continuar con la propuesta de tomarnos el tiempo para ver y escuchar, y además darle forma a los contrastes entre los espacios y momentos públicos y privados donde se desarrollaron las acciones. Mi objetivo era acercarme a Alejandra, pero a la vez mantenerla como un interrogante, pues quería articular esa imposibilidad de “entender” quien es en este momento de su vida. Las decisiones partieron de lo que me interesa a mí, lo cual realmente no tiene nada que ver con rebeldía, pues fueron decisiones que salieron orgánicamente. Para mí el cine es interesante porque lo asumo como un proceso de descubrimiento constante, y no estoy de acuerdo con que solo hay un camino de acceso para la audiencia para conectarse con una película, o con un personaje. Seguro, eso es lo que enseñan en clases de guión y eso, pero no es lo que me interesa a mi. Para eso están las noticias, para propagar la pereza y la aceptación pasiva de dejar que otros piensen y resuelvan por nosotros. Las posibilidades de creación de significado entre la relación (montaje) de imágenes y sonidos es infinita. A mí no me interesa hacer una película sobre alguien que es esto o lo otro, cosa que mi trabajo se vuelva decirle a la audiencia qué debe sentir, cuándo y por qué. Durante el rodaje, e incluso después de este, siempre quise mantener ese aire de misterio alrededor de María, quien interpreta a Alejandra. Todavía hay una gran parte de ella tanto como personaje y como actriz que no conozco, y eso me parece interesante, es esa curiosidad y riesgo de no saber con seguridad lo que me sigue moviendo y conmoviendo a hacer cine. Cuando empecé a pensar en Señoritas, empecé con un meollo de imágenes, sonidos, ideas, emociones y preguntas y me di cuenta que desde ya estaba al lado opuesto de la tradición y los hábitos que han hecho rutinario el cine de ficción, pero igual me lancé. Siento que si hubiese conocido las respuestas a mis preguntas a priori, antes de empezar, no habría tenido ninguna necesidad de hacer la película y debería más bien haber escrito un manifiesto o un discurso, o un manual de instrucciones para reparar una nevera.

7.Los actores de tu película se ven bastante relacionados con su papel y además, pareciera que estuvieran improvisando las líneas casi todo el tiempo. ¿Cómo fue el proceso de casting? ¿Cómo fue el rodaje?…¿Qué riesgos tomaste? 

Básicamente la convocatoria a actores la hice yo desde Toronto, y desde aquí hice la preselección en Junio/Julio del 2011 y después en Agosto fui a Bogotá y me encontré con más o menos 50-60 personas. Mi intención era estar abierta tanto a actores profesionales como actores naturales. Ya que en ese momento estaba completamente fuera de la industria de cine y televisión en Colombia, parte de la búsqueda de los actores naturales implicó un gran trabajo de investigación que incluyó sentarme a buscar profesor por profesor, facultad por facultad y pedirles que mandaran la convocatoria a sus estudiantes en Facultades de Humanidades, Arte, Sociología, Antropología, etc… En cuanto a los actores profesionales, también hice investigación y mandé la convocatoria a lugares en los que sentía (esperaba) le iba a llegar a actores. Ahora, todo esto suena más fácil de lo que fue, pues literalmente fue un proceso en el que yo sola (sin facebook, pues nunca me metí a facebook), busqué y difundí la convocatoria email por email para después hacer el casting en el salón comunal del edificio de mi abuela con la ayuda de mis padres. Fue un proceso muy interesante, el cual no sólo me ayudó y motivó a empezar a definir mi metodología de dirección de actores y a seguir descubriendo mi propio lenguaje cinematográfico, sino que también fue a la vez un proceso adicional de investigación que me dio la oportunidad de poder hablar con jóvenes y sentir un poco la temperatura de lo que es ser joven y moverse en Bogotá hoy en día. Fue durante este proceso también que decidí ofrecerle el papel de mamá a mi mamá (Clara Monroy) cuando vi su registro en cámara, pues ella y mi padre (Almeiro Rodríguez) me ayudaron durante algunos de los ejercicios durante las audiciones.

Para el personaje de Alejandra necesitaba a una mujer joven que pudiese de cierta forma encajar con su entorno con cierta facilidad, pero que de otra manera estuviese curiosa y ansiosa por explorar cosas nuevas. Alguien que está adentro y afuera a la vez. María es una excelente actriz con una presencia que es fuerte pero ligera, tanto al frente como detrás de la cámara, lo cual le sumo un aire travieso y maduro al personaje. Fue muy emocionante poder haber encontrado el elenco que encontré, pues los proceso de audición y rodaje no fueron tradicionales y cada uno de los actores y no actores que participaron en la película tuvieron que confiar en mí, en el proceso y en ellos mismos. La herramienta de trabajo durante el rodaje no fue un guión dialogado, sino un tratamiento (que para mi funciona como guión), y fue ese tratamiento el que sirvió de marco de referencia para definir locaciones, personajes, algunos diálogos y algunas relaciones entre personajes antes de rodar. Tuve también muchísima suerte con el equipo técnico, pues hubo una confianza base en el proceso que ayudo a que tomáramos riesgos juntos.

Ya que yo no quería que nadie se memorizara líneas de diálogo, decidí no compartir el tratamiento con los actores, tome la decisión de mostrárselo solamente al equipo técnico. Entonces, la metodología de trabajo consistió en desarrollar lazos a priori de manera estratégica no solo entre la protagonista y los personajes con los que se encuentra durante las distintas escenas, sino también en desarrollar mi propia relación con los actores, para así poder llenarme de información y nutrir tanto las escenas que había escrito en el tratamiento como las relaciones durante el rodaje. Se siente que improvisan, y de cierta manera es así, pues mi intención era poblar las escenas con sus palabras, pero el marco de referencia de todas las escenas viene del tratamiento. Ahora bien, como resultado del proceso mismo de filmación y de esta metodología de trabajo, durante el rodaje decidí re-escribir total o parcialmente algunas escenas, y en otros casos escribí escenas nuevas de acuerdo a las observaciones y acontecimientos cotidianos dentro y fuera del set, y además, como suele pasar en el cine, a veces tuvimos que modificar escenas por cuestiones de logística y/o clima. Siento que al final es ese, en mi opinión, el rol del guión o escaleta o tratamiento, es un mapa que lo guia a uno, pero lo que me mueve es ese proceso de descubrimiento y la esperanza que las acciones y relaciones que uno escribe en papel se empapen de misterio y vida una vez son habitadas por personas de carne y hueso que han de decirse y hacerse (o no) cosas unos a otros.

8.Cuando hablamos en NYC, tu dijiste algo que me caló mucho y fue qué te habías cansado de “hacer fila” en Pro-imágenes y te habías lanzado a hacer Señoritas por tu cuenta. Mucha gente se paraliza (literalmente) porque no sabe cómo conseguir la plata para su película.  ¿Cómo conseguiste la plata para rodar Señoritas?

La cosa no fue necesariamente que me cansé de esperar, sino más bien que no quería esperar en fila y magullar y magullar la idea para hacerla más “vendible” o más “clara” hasta que la sofocara con mis quereres y le sacara toda la vida. Antes de decidir lanzarnos a hacer Señoritas, intentamos conseguir dinero a través del FDC y fondos internacionales. Al FDC aplique a Desarrollo, no aplique a Producción porque preciso ese año habían quitado la categoría de producción Digital que era la única que tenía sentido para el proyecto. Creo que no resulto porque no había en ese momento una línea clara y directa entre el trabajo formal que había estado haciendo con mis cortometrajes y como quería seguir desarrollando y explorando esos intereses en el contexto de un largometraje. Ya con Señoritas empece a trazar la linea, así que espero poder conseguir apoyo en Colombia y afuera para mis próximos proyectos.

Como fue un proyecto muy pequeño, mi familia y amigos estuvieron muy muy cerca (mi papa hizo producción de campo, mi mama además de actuar también ayudó con la coordinación de comida, mi hermano Andrés, quien venía de Australia a pasar vacaciones en Colombia, fue asistente de sonido, Brad, mi compañero, me ayudó con la producción y también hizo el montaje conmigo). Ya con la pre-producción en marcha, se me ocurrió aplicar a una beca al Consejo de las Artes de Ontario acá en Canadá y menos mal nos dieron un apoyo de producción. Los consejos en Canadá son una cosa increíble pues su misión es apoyar visiones artísticas y no les interesa la viabilidad comercial de los proyectos. Fue la plataforma perfecta para Señoritas y estamos muy agradecidos por su apoyo. De cierta forma fue una bendición que la financiación para mi primer largo fuera de esta naturaleza, pues hacerlo de la forma que lo hice y tomando los riesgos que tome me ha triplicado la fuerza para seguir buscando a mi forma y mi ritmo. Hay que construir sobre lo construido, es la única forma.

9. ¿Tienes agüeros mientras o antes de rodar una película? ¿O alguna práctica particular que no puedas decir en público pero que quieras compartir aquí?

Los rodajes no son una cosa glamorosa. Son un desgaste físico, psicológico y emocional brutal, así que trato de dormir lo que más pueda y comer bien. También me leo Notas sobre el Cinematógrafo de Bresson un par de días antes, para recordar las cosas que son importantes antes de lanzarme al abismo.

10.Tu vives en Canadá hace 10 años pero tus películas han sido sobre Colombia. ¿Por qué?

No todas mis películas han sido sobre Colombia. Señoritas en efecto está enfocada en Bogotá, pero siento que es una exploración universal de ser mujer que es transferible a otros lugares. Ha sido muy lindo ver cuando se ha mostrado en Cuba o Trinidad y Tobago, como mujeres y hombres se me acercan después de la proyección y me cuentan como se sintieron conectados con ciertas escenas, por ejemplo la sensación de caminar por la ciudad en la noche. En efecto, Señoritas  tiene idiosincrasias de jóvenes Bogotanos y eso me gusta muchísimo. También filme un cortometraje en Cartagena que se llama Protocolo, y fue una película que me encontré cuando estaba en el Castillo de San Felipe, vi la sombra de la bandera gigante de Colombia que se movía de un lado a otro con mucha fuerza y de una decidi capturar esa danza en Super8, pensando en el significado de una bandera y su peso en la definición de identidad nacional, fronteras, historia.

Es obvio, cuando uno se va de su país, inmediatamente entra en una zona que no es ni aquí ni allá. Aunque igual, antes de irme de Colombia, siempre me sentí un poco afuera de todo, y ahora en Canadá, me siento igual. Es más la desazón juvenil que nunca se me pasó creo yo, pero sé que mi conexión con Colombia y ahora con Canadá es súper fuerte y seguirá ahí. Voy a seguir haciendo películas, grandes y pequeñas, y las voy a hacer entre “aquí y allá”. Obviamente hay muchas cosas que quiero explorar particularmente en Colombia, otras muchas en Canadá, además de seguir también andando con los ojos bien abiertos y con mi cámara de Super 8 en mano, registrando ritmos y movimientos que me encuentro a diario.

11.¿Cuáles han sido los directores o videos y películas que más te han impresionado y que guardas como referentes en tu trabajo?

Como decía antes, manejo las relaciones de prensa para la Cinemateca en Toronto. Es un trabajo bellísimo el cual yo veo como una extensión de mi quehacer cinematográfico, pues me dedico a buscar formas de visibilizar propuestas cinematográficas distintas, a conversar con editores, críticos de cine y periodistas acerca de la importancia de pensar en el trabajo de realizadores como un cuerpo de trabajo y en un contexto, fuera del sensacionalismo de si algo es exitoso o no en taquilla, o de si sigue los principios de cine que enseñan en las escuelas, lo cual no es fácil pues la tendencia y ritmo de nuestras vidas es pensar en lo inmediato. Mi trabajo consiste en invitarlos a pensar y reflexionar en el mérito artístico del trabajo, en la trayectoria de los realizadores y invitarlos a asumir su rol de críticos de cine, pues con su cubrimiento, y reflexiones poco a poco podemos ir expandiendo las posibilidades del cine y construir plataformas para abrir estos trabajos a nuevas audiencias y nuevas generaciones.

No creo en referentes, más bien en inspiraciones. Gracias a este trabajo he tenido la increíble oportunidad de ver el trabajo de muchos directores como Luchino Visconti, Jean Eustache, Robert Bresson, Pedro Costa, John Cassavetes, Lucrecia Martel, Jia Zhang-ke, Straub-Huillet,Godard, Mia Hansen-Løve, Claire Denis, Nicholas Ray, Nagisa Oshima.

Para mí el cine además de una búsqueda estética y personal, es más que todo una forma de afrontar la vida. No es solo el quehacer cinematográfico en sí, es además una plataforma para ver a los otros, para ver las propuestas de otros y el mundo alrededor, plataforma para encontrarnos y para cuestionar el mundo, entonces me siento haciendo cine también en las pausas y en los encuentros, en la sala, caminando.

12.¿Qué te interesa seguir explorando en tu nuevo largometraje y dónde planeas rodarlo?

Creo que quizás porque hice algo de danza-teatro durante mi niñez, parte de esa experiencia me puso a pensar desde muy temprano en la idea de lo que significa “montar” algo para otros. Con los años me he dado cuenta que lo que me interesaba es explorar como articulamos lo que somos (ansiedades, deseos, miedos, alegrías) y no somos a través de nuestros movimientos y acciones. Aunque todavía estoy en proceso de escritura de mi segundo largo, formalmente quiero seguir explorando la dificultad y belleza inherente de esa articulación de nuestra vida interior en un contexto público (con otros, y a veces, para otros). Quiero continuar explorando la imagen y su relación y posibilidades con otras imágenes y sonidos (así este a veces tome la forma de silencio), quiero seguir haciendo cine como una forma de explorar mi visión personal a tráves de las cualidades poeticas del sonido y la imagen.El plan para el segundo largo es rodarlo en Bogotá.

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Lecciones con Kiarostami: No.1

Y de vuelta en Colombia, y esta semana tomando el taller con el director de cine iraní Abbas Kiarostami. Este es un taller único que el maestro iraní dicta una vez al año en un país diferente del mundo, en este caso el primero que se realiza en Latinoamérica, y con la suerte de que esta vez fue en Bogotá en la universidad Javeriana. Somos 55 cineastas, varios de Latinoamérica, pero muchos de Colombia, y predominantemente de Bogotá. Kiarostami, llegó hoy después de 35 horas de vuelo desde Teherán a dictar la primera clase a las 9 a.m. La idea es rodar 55 cortos en los 10 días que dura el curso…por supuesto, esto es escalofriante…porque cuando uno piensa en hacer cine, generalmente no se le viene a la cabeza algo sencillo sino más bien aparatoso…Sin embargo, maestros como Kiarostami han mostrado, a través del cine que lleva haciendo hace más de 40 años, que hacer películas va más allá de grandes complejos técnicos y productivos…hacer cine es aprender a ver a través de una cámara…por ejemplo, poniendo mi cámara enfrente de mi ventana y esperando a que pasé algo…Mi hermano tiene unos binoculares con los que todas las noches mira desde la ventana lo que pasa en los edificios de enfrente…(espero que los vecinos no estén leyendo esto), si los binoculares de mi hermano fueran cámara podríamos hacer miles de “ventanas indiscretas” en los cerros de Bogotá.

Y fue aquí que tratando de llegar a un acuerdo con los 55 cineastas que somos en el taller sobre el tema general que íbamos a elegir para rodar nuestros cortos que Kiarostami, nos dio su “primera lección” ( esto es en casi “pistas”). Kiarostami, siempre elige un tema y a partir de ahí todo el mundo empieza a crear la historia. El primer arriesgado dijo “amor”…(amor…cuantos temas hay sobre el amor), otro dijo el “tiempo”, otro dijo el “ruido”…otro “contrastes”; es decir, “los grandes temas” de la mayoría de historias…sin embargo, Kiarostami estaba buscando algo más simple, más visual, lo suficientemente sencillo como para poner una cámara enfrente y dejarla simplemente “observar”…Sin embargo, todos teníamos en esos momentos “los grandes temas” rondando en la cabeza…hasta que Kiarostami dijo ” pues ayer cuando salía del aeropuerto y entraba por Bogotá, contemplé mucho verde…no pensaba encontrarme con tanto verde, ( se refería a la herradura preciosa de montañas que rodean a mi ciudad)…”Podemos usar el verde como tema”…y continuó, “por ejemplo, esa chica tiene una bonita bufanda verde” podemos mostrarla en nuestra historia. Alguien dijo “montaña”…y luego “flores”, y luego de estar como una hora en eso, tomamos el receso para almorzar.

Lo divertido es que cuando volvimos del almuerzo, Kiarostami había tenido una visión en la terraza de uno de los edificios de la Javeriana…Seguramente sería la satisfacción de una deliciosa sopita colombiana, sobretodo después de tanta hambre…pero Kiarostami decidió que el tema no lo teníamos que buscar tan lejos: “Teníamos un campus como el de la Javeriana, y además un tema como la Universidad para inspirarnos en nuestros cortos”, dijo. Ante la decisión repentina de Kiarostami de cambiar todo la lista de temas que se habían hablado en la mañana, un silencio aterrorizado y general se sintió en el auditorio. Kiarostami, obviamente se dio cuenta y empezó a contar toda la serie de imágenes que había visto mientras almorzaba. Como por ejemplo: “un doctor de la san ignacio que estaba almorzando al mismo tiempo de ellos, con una bonita corbata verde”…y reforzó “para todos los que quieren hacer el tema del verde”…o unas chicas hablando entre ellas de un celador, que ni se daba por enterado del trío sonrojado con risitas nerviosas mientras lo miraban…En fin…Kiarostami, relató como cinco historias…O mejor “historietas” como lo llama él: “hay muchas historias que contar en este lugar…o acaso ustedes no tienen memoria de 3 o 4 recuerdos de su vida universitaria??” continuo.

…y cuándo se dio cuenta de que el silencio seguía, dijo algo que resonó en mi cabeza inolvidablemente:  – O es que ¿Hasta cuándo vamos a creer que NUESTRAS HISTORIETAS también son VALIDAS?

A lo que yo simplemente, pude pensar “sí, maestro”, “sí maestro”.

Para los que anden por Bogotá, aquí les dejó un trailer de una de las historietas de este grande que están pasando en la Cinemateca toda la semana (y para los que estén afuera, youtube:)

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Yo si se!

Hola todos:

Y finalmente esta semana estrenamos nuestro video a través de SPIN Magazine. Aquí va:

http://www.spin.com/articles/the-books-video-yo-no-se/

Y para quienes prefieren la versión HD de vimeo, sólo hagan click en esta foto:

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Yo si se!

Hello everyone!

And finally here is our video “Yo no se” :) We premiered online this monday through SPIN MAGAZINE, who also write a review. Check it out:

http://www.spin.com/articles/the-books-video-yo-no-se/

And for those who like the HD version, here it is too:

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The curse of the books

Tomorrow it’s gonna be the premiere of “Yo no se”. A music video that me and my friend Alan Danielson shot last year for new yorker ex former band The Books. For those destiny things, (the great dame of life and death) Alan passed away last week leaving us all in shock but knowing that artists like him will always say : “the show must go on” despite anything, even death.

We worked on this video now for almost 10 months, although knowing that we were doing a project for a band that split apart almost three years ago. We knew this with Alan since the beginning but I was so in love with his choreography that he followed me into this vision until the end. An as usual, in the visual world ( or any kind of project that intends to build something), making this video was a crusade. Even two weeks ago when we (Winnie, the editor of the video) and I decided to do not more fixes and put our mouses down, after Alan (acting also as one of the producers of the video) pleasantly checked off.

However, a bitter sweet taste is mourning in this afternoon, one day before the premiere. A bitter-sweet taste because we felt incredibly happy to finish our crusade, but bitter because it’s also the last good bye that we are going to do to a very beloved friend. And for some reason, even since I heard “the Books” for the first time, an strange  luck of farewells and breaking has been in the air. I titled this post “the curse of The Books”, but please understand, is more like a dark joke because I don’t really believe in “malefic” or “holy” curses that much, haha (laughs nervously).

Actually, and calling to memory, the first time I heard the music of “The Books” was three years ago back in my country Colombia. I was in my best friend’s house and he has invited us to me and my boyfriend of that time to have dinner with him. The reason for this invitation, which included my friend’s best pasta recipe was that my boyfriend and I two weeks later were about to fly to USA to study Film – quote-: not just “Film” but the career of our dreams-

My boyfriend and I had been together for more than two years but we decided to go apart in order to pursue our careers. When my best friend felt that our mood wasn’t very “good”, he forgot about his famous pasta and immediately played “Enjoy your worries you might never have them again” a very great song of the album “Thought for food”  from The Books.  And we actually did. As the music flowed, we decided to enjoy our last supper together while we listened to the full album. I never forgot that song, neither the album.

Three years later, I found their music again. This time in NYC and in a choreography that my great friend Alan Danielson, musician, dancer and unconditional fan of “The Books” had brilliantly created. Since the first time I saw the choreography, I felt it can easily become a music video.  And Alan trust me to do everything to make it happened. So, we did.

I had met Alan for more than 10 years now, and although we were not like buddies, (he was more my mentor than my mate) we always had a lot of fun working together.

I even got my first official gig as photographer when I was 20 and had bought myself a Canon A-1. At  that time, Alan was being invited for a french dance teacher of mine to teach a workshop in Bogotá.

For us dancers in Colombia, more than ten years ago, this was a phenomenal event: one of the greatest masters of contemporary dance teaching a workshop for us dancers that lived on bread and water and not much pilates or fancy diets at that time. But there he was Alan: playing piano while teaching to walk, to dance, to move on a stage like a real performer. Yes, to “walk” …” walk” is a whole mystery in dance. And there I was, poquito english, new comer photographer ( if having a new camera can give me the right of calling myself such as), but with wide eyes open to whatever chance I have to use my camera. Maybe Alan, saw all of this, or a combination all of this ingenuity  with an easy smile (At that time, Alan has probably crossed half of the world dancing, on stage, teaching, etc.) but, he decided to jump and go for it. I mean he was such an experienced master posing naked in front of my naive lens.

Years later some similar luck of events happened. I don’t wan to bored you with the list of works that me and Alan did since I arrived to New York…but this was a very vivid thing with him: he was always ( and I say in spanish: “siempre”) working. He actually was teaching a class to a friend of mine two days before he was gone. But how other way would died a person who devoted himself to his job? I found this a very lucky death. I actually have an aunt that is a teacher and also devoted to what she does, and she always says she will love to died in front of the blackboard with their students watching (…) We have in spanish a common speech for this, we say: “morir en su ley”. Which is something like “you’ll die the way you live”.

I think, Alan happen to have this. And that is why tomorrow, we will celebrate over all the “curses”: We will celebrate this video, and the people who made it. We will celebrate  the legacy of a Maestro and Amigo like Alan. We will… with the amazing music from The Books, and dance, and eyes, and people, and love- And everything you can do and you invent to conquer life over death (Bukowsky has a great poem on how humans get entertained to avoid thinking in death by eating frozen yogurt). Tomorrow, we’ll dance in our red shoes.

still from Buster Keaton, Three Ages, 1923, Metro Pictures, USA

still from Buster Keaton, Three Ages, 1923, Metro Pictures, USA

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Adiós, Alan

Adiós, Alan

Qué es la muerte sino acaso la gran liberación? La gran liberación de amor…de amor a la vida misma?… Sin embargo, los que nos quedamos sufrimos de algo que se llama ausencia…sobretodo cuando es de grandes seres humanos como mi gran amigo, bailarín, maestro y mentor Alan Danielson. Conocí a Alan hace más de 10 años en Bogotá cuando yo apenas empezaba a sacar fotos. Alan había sido invitado por otra gran maestra Sandrine Legendre a dictar un taller para bailarines de danza contemporánea en Bogotá (esto era todo un acontecimiento para nosotros como bailarines hace muchos años en un país al que pocos maestros como él se hubieran atrevido a ir). El taller aparte de ser brillante (Alan no sólo era coreógrafo y bailarín pero también músico y tocaba piano en sus clases) y de enseñarnos técnicas como las de José Limón ( otro grande) nos mostró música como Underworld, Kusturika, y toda esa clase de sonidos del mundo que Alan coleccionó en sus viajes como maestro y coreógrafo por más de 40 años.

Y por esas razones del destino ( la gran caprichosa de la vida y la muerte), Alan necesitaba urgentemente unas fotos para promocionar una de sus funciones que días después estaría estrenando en New York.

Y por supuesto, en medidas desesperadas, acciones desesperadas. Ahí estaba yo, 20 años, estrenando cámara análoga y jugando a ser fotógrafa. Alan literalmente confío en mi a ciegas y decidió que yo hiciera las fotos para él. Al otro día, nos fuimos un día por la Calera (casi los cerros en Bogotá) y nos saltamos una rampa en un sitio precioso al que era prohibido entrar. Esas fotos y sobretodo, ese trabajo quedarán en mi memoria hasta que yo muera también, y no haya más.

Años después volvería a confiar en mi y en muchos otros trabajos. Y recientemente, para hacer “Yo no se”. El no sabía en que se estaba metiendo. Yo tampoco, aparte de esa gran necesidad de poner en video una de sus tantas coreografías y de hacerlo en las calles de esta ciudad transilvánica y hermosa a la vez.

Fue duro…sufrimos mucho, peleámos mucho… el como coreógrafo, yo como director. Pero todo se dio y además en esa suerte que pocas veces (sobretodo en este mundo audiovisual) acompaña a algunos proyectos. El día del rodaje no nos llovió ( estaba pronosticada toda una tormenta), no nos cogió la policía por andar rodando en el subway (las cosas que uno hace cuando no hay más que tener que hacerlas) y todo el mundo trabajó como si fuera el mejor trabajo de toda su vida.

Sé que mis palabras chocan en un tono trascendental del que trato de alejarme siempre…pero la muerte es así: real, trascendental, silenciosa…porque no hay más. O al menos, no tenemos conocimiento de que allá algo más allá, aparte de seguir celebrando la vida y la muerte, tan buenas amigas que el miedo a que alguna de las dos suceda de una manera tan clara y consciente, desaparece.

Alan, my friend, seguiremos celebrando contigo bailando y haciendo música como nos enseñaste. Aquí, y allá en el sur, y en alemania y en africa, y en japón y en guatemala, y en cuanta vida y pies, y alma de la gente a la que atravesaste y de los que se cruzaron por tu vida y un poco de su alma y memoria se fueron ayer con vos.

Para siempre y para ahora mi helmano: (dance, dance, dance…otherwise…):

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02/13/2014 · 21:02

COPUT

And last month I had the joy of shooting the first performance of COPUT. A japanese band based in Brooklyn that has been experimenting for a while searching for a very particular sound on their music. You judge yourselves. * Recommended to turn off the light to watch the colors better:

Y el mes pasado tuve la oportunidad de grabar el primer show de COPUT. Una banda japonesa que vive en Brooklyn que ha venido experimentando hace ya un tiempo buscando un sonido particular en su música. Se recomienda apagar las luces para verlo mejor.

COPUT

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KAPUTT!

Last week I had the opportunity to shot the first commencement concert of COPUT. A japanese-Brooklyn
based band. Great location for a great undefined music band. We’ll soon upload the video but here some pics of the night:

La semana pasada tuve la oportunidad de filmar el primer concierto de COPUT. Una banda japonesa residente en Brooklyn. Fue una gran noche, con una locación perfecta para una banda que hace música no muy definible. Pronto subiremos el video. Por ahora unas fotos: — in New York, NY.

And yes, the tittle in this post is “kaput” as in german: “finito”.

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“Siembra tu propio huerto” N.M.

mandela

Ayer se murió Mandela. Y aunque sé de el lo que sabe todo el mundo, o más bien nadie sabe, me conmueve, así como me conmovió su libro: “El largo camino hacia la libertad”, su muerte profundamente.

Pero no por la muerte: ese estado glorioso de descanso absoluto que alguien como Mandela ganó hasta el último día. Sino, por esa capacidad de re-inventarse a sí mismo. Como lo hizo en sus primeros años de revolucionario, y que lo llevaron a darse cuenta de que la rabia y la violencia no lo llevarían a esa libertad en la que tanto creía, y en la que creyó tanto que nos la hizo creer.

Libertad palabra grande, inmensa, que necesita de un gran coraje para vivirse, para lucharse diariamente. Desde cosas mínimas como cuidar de uno mismo (Mandela tendió su propia cama siendo príncipe, presidario, presidente, político, etc.) Hasta cosas mucho mayores como ser consecuente con lo que uno dice. Y creo que entre muchas otras, esta es una de las más admirables de Madiba: la consecuencia de todos sus actos es la acción vivida de todos sus maravillosas palabras y de una amplitud de espíritu que pocos son afortunados de comprender.

Gracias Mandela! Gracias Mandela! Gracias Mandela! “Ante todo la libertad” será nuestra consigna siempre y a la que sus manos negras y cálidas siempre nos llevarán cuantas veces corramos el riesgo de que se nos olvide.

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